В статье анализируется широко востребованный сегодня различными арт-практиками феномен «партиципаторного искусства», или «искусства участия». Утрата социалистической альтернативы развития общества, гегемония неолиберализма и концепции «конца истории», возникшие в последнее десятилетие ХХ в., создали запрос на социальный поворот в искусстве и обозначили распространение «социально ангажированного искусства». Подробно рассматриваются два подхода к искусству - «эстетика взаимодействия» французского теоретика искусства Николя Буррио (Bourriaud Nicolas) и «партиципаторное искусство» американской исследовательницы Клер Бишоп (Claire Bishop), так или иначе воспринявшие социальный поворот и стремящиеся художественными средствами восполнить недостающие социальные связи и непосредственно участвовать в общественных изменениях. Осуществлена попытка критически переосмыслить указанные подходы к «социально-ангажированному искусству» как недостаточные. Предлагается рассмотреть в качестве альтернативной модель постпартиципаторного искусства, связанного с феноменом арт-активизма, громко заявившего о себе в начале ХХI в. по всему миру.

В статье рассматриваются ранние концепции опыта в эстетике немецкого философа Вальтера Беньямина, представленные в таких его работах, как ≪Опыт≫, ≪Радуга: диалог о фантазии≫, ≪Детское восприятие цвета≫, ≪Учение о подобии≫, ≪Задача переводчика≫. В поздней философии Беньямина понятие опыта играет центральную роль, однако истоки его размышлений об опыте остаются малоизвестными. Ранние работы о понятии опыта затрагивают вопрос о мимесисе и нечувственном подобии (≪Учение о подобии≫), концепцию ≪символического пространства≫ (≪Пассажи≫). Представлены три концепции опыта раннего Беньямина: теория духовного опыта (1900-е), окулярцентристская (1910-е), лингвоцентристская (1910-1920-е). Размышления Беньямина о понятии опыта не только сформировали его теорию редукции опыта, но и определили ряд положений его позднейшей эстетики. В конце 1920-1930-х гг. в ≪Пассажах≫, эссе о Бодлере и эссе о репродукции Беньямин разработал теорию восприятия, в которую интегрировал и ≪спектральную≫ окулярцентристскую концепцию опыта, и свою философию языка.

Статья посвящена динамике развития национальной киноиндустрии, кинопроизводства и системы кинопроката в Республике Саха (Якутия). Рассматриваются особенности национального кинематографа, основанного на богатом культурном наследии Земли Олонхо. Сделан акцент на государственной региональной культурной политике, направленной на создание условий для развития национальной кинематографии и фестивального движения, подготовки профессиональных кадров в Якутии. Приведены современные статистические данные по состоянию киноиндустрии республики, дан сравнительный анализ параметров государственного финансирования отрасли на уровне общефедеральных масштабов и бюджетов отрасли в других субъектах Российской Федерации (Башкортостан, Татарстан, Ханты-Мансийский автономный округ). Определены приоритетные задачи для дальнейшего устойчивого развития национальной киноиндустрии Республики Саха (Якутия) как крупного регионального сегмента киноиндустрии Российской Федерации.

В статье представлены результаты исследования сложившихся стереотипов оценки престижапрофессий сферы культуры в регионе и возможностейих коррекции для развития кадрового потенциалакультуры на примере Тамбовской области. Сделанакцент на сопоставлении точек зрения групп респондентов - руководителей и рядовых специалистов учреждений культуры региона, а также населения. Порезультатам опросов выявлены социальные группы,транслирующие в обществе позитивные оценки престижа профессий сферы культуры, и базовые экономические и социально-политические факторы, влияющие на эти оценки. Установлено, что региональныеособенности восприятия престижа профессий вомногом обусловлены общей социально-экономическойситуацией в регионе и соответствующими возможностями финансово-экономической поддержки данной отрасли, а также символической демонстрациейинтереса региональной власти к сфере культуры.

Актуальность проблематики определяется имманентностью динамики вечного и преходящего (архетипа и новых культурных форм, возникающих в искусстве кино), значением архетипа как универсального кода российской массовой культуры. Новизна исследования определяется соотнесением архетипа ребенка со ставшим уже классическим опытом российской/советской анимации (режиссура Ю. Норштейна, А. Петрова, Г. Бардина) и с новыми, принадлежащими массовой культуре кинопроектами (≪Смешарики≫). Рассмотрен бинарный феномен: российское кино и ребенок (ребенок-образ, ребенок-метафора, ребенок-архетип). Материал исследования избран с учетом результатов проведенного авторами статьи интервьюирования ведущих деятелей российской культуры и социокультурного исследования, показавшего уровень признания мультфильмов в качестве значимого культурного опыта (200 респондентов, почти 90%). Подчеркнута распространенность архетипа ребенка в современной культуре, предложено культурно-семантическое и социально-психологическое объяснение значимости архетипа ребенка в российской анимации.

Статья посвящена выявлению и анализу новых трендов, характеризующих развитие искусства ХХI в. в условиях глобализации и кризисных явлений. Анализируются современные вызовы, порождаемые существующей макросредой в отношении современного элитарного сегмента искусства (классический и современный музыкальный театр, изобразительное искусство). Как ответ на рост разновекторной конкуренции элитарное искусство активно адаптирует и усваивает новые для себя формы и методы современных управленческих бизнес-технологий: копродукцию, аренду и лизинг. На конкретных примерах из практики музыкально-театрального и изобразительного искусства США, Европы и России демонстрируется позитивное влияние данных технологий. Копродукция, аренда и лизинг позволяют обеспечивать конкурентоспособность и устойчивость развития современного искусства.

Крымский полуостров объединил в своих границах культурные традиции более 130 этнических образований. Исторический характер процесса формирования культуры Крыма привел к установлению в регионе диалогических взаимоотношений различных этносов, слиянию и принятию инокультурных традиций, стал причиной постепенной культурной диффузии и, как следствие, взаимопроникновения и взаимообогащения культур различных народов. Это послужило основой для развития уникальной идентичности крымчан и создания культурного наследия, находящегося на перекрестке культур, что создает соответствующие проблемы их сбережения. С одной стороны, диалог между культурами - уникальная характеристика, однако, с другой стороны, именно по причине этого диалога и взаимопроникновения культур, подчас неразделимости культурных паттернов, затрудняется процесс выделения объектов, которые должны быть включены в список культурного наследия и охраняться как на государственном, так и на международном уровне. Данная статья касается выше обозначенных вопросов и представляет собой комплексное изучение проблемы охраны культурного наследия в современных условиях ментальных трансформаций. Внимание сосредотачивается на идее о том, что сохранность прошлого является гарантией развития будущего. Исследование строится на основании последовательного рассмотрения проблем, связанных с изучением специфики охраны материального наследия и выделением объектов нематериального культурного наследия Крыма. По мнению автора, особое внимание следует уделить проблеме деполитизации охраны культурного наследия в Республике Крым. Это особенно актуально в условиях, связанных с соответствующими инициативами международного сообщества, вызванными вхождением Республики Крым в состав Российской Федерации, а также с обеспечением поддержки исчезающих этносов - в частности, караимов и крымчаков, чьи культуры рассматриваются как уникальные самобытные образования крымского полуострова.

На примере анализа ассоциативных реакций носителей русского и японского языков рассматривается выраженность гостеприимства в русской и японской лингвокультурах. Анализируются сходства и различия восприятия русскими и японцами образа гостя. Раскрывается нетождественность содержания русской семантемы ≪гость≫ и ее японского эквивалента. В условиях активного взаимодействия представителей различных культур в наш век скоростей, сопоставительные исследования языкового сознания являются важным вкладом в развитие взаимопонимания представителей различных лингвокультур, в данном случае русской и японской. Большой интерес представляет динамика изменения образа гостя в русской лингвокультуре, которая на протяжении последних десятилетий испытывает заметные пертурбации. Применение психолингвистических методов для достижения указанных целей - редкое и во многом новое явление для сопоставления русской и японской лингвокультур. Исследование показало, что в японской лингвокультуре гостеприимство обеспечивается преимущественно женщинами, что отражает традиционно патриархальный уклад жизни японского общества. Также показано, что современные русские, у которых гендерный фактор в связи с образом гостя никак не проявляется, стали менее гостеприимными по сравнению с началом 1990-х годов.

Статья посвящена исследованию культа Солнца, практикуемого народностью бай в провинции Юньнань, расположенной на юго-западе Китая. Рассматриваются различные формы почитания солярного божества Тай-ян-шэня, которые распространены сегодня в Дали-Байском автономном округе. Приведены тексты байских мифов и народных преданий, повествующих о духе дневного светила. Описываются местные традиции поклонения Солнцу как источнику жизни, покровителю сельского хозяйства и мистическому патрону деревень Бэньчжу. Проанализирована иконография Тай-ян-шэня на примере образов храмовой скульптуры и народной картины чжима провинции Юньнань. На основании изучения сюжетов байских легенд и китайского искусства сделана попытка обнаружить истоки происхождения различных типов изображений солнечного божества на юньнаньской религиозной гравюре. Особое внимание уделяется характеристике солярных знаков, включенных в композицию «лубочных икон».

В статье рассматривается творчество современного художника Вячеслава Сергеевича Торбокова, продолжающего реалистическую линию в алтайском искусстве, у истоков которой стоял Григорий Иванович Гуркин (1870-1937). Значение алтайского изобразительного искусства состоит в том, что оно во многом определяет направление художественной культуры региона. Предлагается периодизация творчества В.С. Торбокова. Отмечаются основные жанровые направления (пейзажи, натюрморты, портреты), темы (пейзажные серии, портреты творческих людей и т. д.), идеи (два типа времени: циклическое время человеческой жизни и природы, вечность; истоки творчества: самовыражение и следование традиции; человек и природа) творчества художника. Отмечается, что в работах В.С. Торбокова в наиболее полной мере воплотился национальный идеал красоты (природы и человека).

Пенсионерская практика русских художников, в разное время живущих или обучающихся за границей, является предметом изучения искусствоведов. Исследование этого важного периода их профессиональной карьеры позволяет восстановить творческие контакты, проследить за процессом формирования мировоззрения, творческого метода и, как следствие, оценить степень влияния других стран на отечественную культуру. Актуальность этой темы обусловлена повышенным вниманием современных специалистов к международным культурным связям и плодам интеграционного процесса в сфере искусства. В начале XIX в. заграничная практика выпускников Академии художеств приобрела регулярный характер. Географическая зона и маршрут поездок выбирались с учетом программы обучения, ориентированной на античные образцы. Поэтому главным местом прохождения стажировки стала Италия и город Рим, где начинающие специалисты изучали классическую архитектуру и художественные произведения мастеров эпохи Возрождения. В отличие от Рима, в Неаполе не сложилась колония русских художников. Тем не менее, здесь сплетались судьбы мастеров самых разных жанров и направлений, которых привлекала романтика жизни бедняков на побережье, идиллические пейзажи и археологические памятники. Под влиянием романтической атмосферы города они создавали произведения, ставшие впоследствии шедеврами русского искусства. В статье рассматривается неаполитанский период творчества русских архитекторов и художников первой половины XIX века. Особое внимание уделено Александру Брюллову (1798-1877), для которого пребывание в городе стало судьбоносным. Текст содержит ссылки на современные мастерам периодические издания и архивные документы.

В статье проводится обзор основных дискурсивных практик (языковых, религиозных, юридических, научных, искусствоведческих и т. д.), в которых проявляет себя феномен безумия. Автор анализирует семантическое поле концептуальной сферы безумия, его историческое осмысление, что требует комплексного культурологического исследования данной проблемы. Феномен «безумие» рассматривается как полидискурсивное понятие, использующееся в различных сферах общественной жизни и научной практики (в лингвистическом, философском, литературоведческом, медицинском, психологическом, религиоведческом и иных аспектах). Приводится обзор основных культурфилософских концепций, в русле которых формировалась научная теория бе зумия (фрейдизма, фрейдомарксизма, структурализма, психоанализа, шизоанализа), которая во многом формировала вектор художественных исканий в современном искусстве. Особое внимание уделяется ведущей роли постмодернистского дискурса в объяснении феномена безумия и роли культурологического подхода в изучении и осмыслении данного феномена в контексте современного состояния культуры. Признавая ведущую роль литературы в разработке этой темы, в качестве основного эмпирического материала автор предлагает обратиться к современному кинематографу, в художественной практике которого мотив безумия (во всех его проявлениях и звучаниях) находит наиболее выразительную репрезентацию.

Cтатья посвящена изучению ряда динамических процессов в области художественного образования. В частности, проводится аналогия между художественно-педагогическими поисками в академическом образовании второй половины ХIХ в. и «оттепельным» периодом ХХ века. Раскрыт актуальный вопрос о неизбежной смене генераций художников и педагогов, связанной с тенденциями времени. Исследование методик преподавания в системе персональных мастерских Российской академии художеств представляет собой анализ историко-культурных особенностей развития искусства, рассмотренных под углом стилевых тенденций в преподавании. Особый интерес представляют ясно локализованные явления в искусстве и педагогике - такие как «передвижническая» и «шестидесятническая» академии, которые рассмотрены в сравнении. Новизна состоит в том, что образно-стилистические особенности живописной педагогической практики 1960-х гг. рассмотрены в сравнении с аналогичными процессами конца ХIХ века. Акцентировано влияние творческой системы художников на формирование живописной манеры учеников. Выделены понятия нормативного и авторского подхода к обучению.

В основе статьи - размышления автора, выступившего ведущим презентации, посвященной значительному событию в культурной и научной жизни страны, - выходу в свет семитомного издания избранных трудов известного философа и культуролога Моисея Самойловича Кагана. Автор анализирует вклад М.С. Кагана в развитие отечественных наук о культуре, раскрывая тематическую и методологическую направленность его работ, формирующих содержательное ядро каждого из изданных томов, высоко оценивая значение исследователя для развития эстетики, искусствоведения, философии (и философии культуры в том числе), а также истории культуры и культурологии. Особый интерес представляют приводимые в тексте идеи и высказывания участников презентации - признанных исследователей, лично знавших М.С. Кагана: В.М. Межуева, И.В. Кондакова, Н.А. Хренова, О.Н. Астафьевой, И.М. Быховской, М.М. Шибаевой, А.Б. Ройфе и других, которыми отмечается значимость для гуманитарной науки издания избранных работ М.С. Кагана. Участниками презентации подчеркивается роль заслуженного деятеля науки Российской Федерации - почетного профессора Санкт-Петербургского государственного университета М.С. Кагана, которому 18 мая 2016 г. исполнилось бы 95 лет со дня рождения - в формировании одной из отечественных научных школ о культуре, успешно развивающейся и в настоящее время.

Статья посвящена возникновению одной из самых значительных организаций художников неофициального искусства, возникшей по инициативе официальных властей. Генезис организационных структур неофициального искусства в контексте динамики неофициальной художественной жизни (квартирные выставки, подпольные галереи) и политической конъюнктуры (международные соглашения, подписанные СССР в рамках Совещания по безопасности и сотрудничеству в Европе 1975 г.) ранее не рассматривался как самостоятельная проблема. На рубеже 1960-1970-х гг. формируется «Новая московская школа», куда входят представители нескольких генераций неофициальных художников, различных по своим творческим установкам, большинство из которых позже стали членами живописной секции при Московском объединенном комитете художников-графиков (МОКХГ). Они принимали участие в зарубежных и московских выставках нонконформистского искусства (Бульдозерная, Измайловская, «Пчеловодство», «Дом культуры»). Активизация подпольной художественной жизни совпала с определенными политическими событиями, результатом которых стала организация живописной секции.

Созданный в 1930-е гг. музыкальный театр стал важной органической составляющей казахской культуры. Приоритетное место в ней занимала опера, неоднократно становившаяся предметом изучения ученых. Однако нельзя игнорировать и исторический путь казахского балета. Этот жанр в аспекте его исторического функционирования еще не привлекал внимание музыковедов. В статье определяются основные тенденции развития казахского балета. Для работы привлекаются как опубликованные труды балетоведов и хореографов (Л.П. Сарыновой, Г.T. Жумасеитовой, Д.Т. Абирова, Б.Г. Аюханова), так и неопубликованные материалы из архивохранилищ Казахстана и России. В исследовании делается вывод о том, что отсутствие широкого распространения танцевальной культуры у казахов сказалось на развитии жанра, и, хотя поиски хореографов были весьма разнообразными, национальный балет находится в перманентном кризисе. Несмотря на успех, сопутствующий премьерным постановкам, ни один из балетов не задержался в репертуаре театра. Самыми значительными из созданного национальной хореографией для театра являются танцевальные сцены в операх «Кыз-Жибек» (Е.Г. Брусиловский), «Биржан и Сара» (М.Т. Тулебаев) и «Абай» (А.К. Жубанов и Л.А. Хамиди), высоко оцененные критиками еще во время Первой и Второй декад казахского искусства и литературы в Москве.