В 1950-х гг. Ч. Сноу писал об увеличении пропасти между гуманитарной и естественно-научной культурами, он видел в этом большую опасность и для самой науки, и для всего человечества. В России к этому добавился кризис гуманитарного знания. Пути преодоления этого кризиса и построение моста между культурами и рассматриваются в настоящей статье.

Решение обозначенных проблем связано с развитием междисциплинарных подходов, в частности с теорией самоорганизации. Синергетика сегодня представляет подход, лежащий на пересечении предметного знания, философской рефлексии и математического моделирования. Она позволяет решать проблемы, выходящие за рамки отдельных научных дисциплин. Многие из них требуют анализа процессов и факторов в рациональном, эмоциональном и интуитивном пространствах.

Показано, что происходящая гуманитарно-технологическая революция, задачи проектирования будущего повышают роль гуманитарного знания. Обоснована важность цивилизационного подхода к гуманитарной культуре. Рассматриваются культурные проблемы уникальной цивилизации — «мира России». Намечен ряд конкретных шагов, позволяющих преодолеть кризис отечественного гуманитарного знания.

Особое значение обретает концепция культурного вызова. Переход от индустриальной к постиндустриальной фазе развития цивилизации и широкое использование систем искусственного интеллекта освободят от работы около половины людей. Социальная стабильность и перспективы развития цивилизации определяются тем, сможет ли культура сделать жизнь людей полной, содержательной и творческой. В ходе гуманитарно-технологической революции принципиальное значение приобретает использование междисциплинарных подходов в системе образования России. Организационно-финансовые реформы последних 30 лет привели образование к глубокому кризису. Междисциплинарные подходы необходимы, чтобы уравновесить пожелания авторов программ, возможности обучающихся и соотнести получаемую подготовку с перспективами развития страны. Пересмотр содержания и форм образования становится сегодня проблемой не только педагогов и ученых, но и всей отечественной культуры.

Императивом культурного развития нашей страны является образ будущего. В индустриальную эпоху бытовало представление об универсальности путей развития социальных систем. В постиндустриальной реальности мир стал сложнее, увеличилось разнообразие. В нынешней точке бифуркации открывается несколько путей развития. Принципиальным становится культурный выбор цивилизации, опирающийся на традицию, научный прогноз и образ будущего. Междисциплинарные подходы могут сыграть принципиальную роль в формировании такого культурного выбора.

Статья посвящена исследованиям культурной памяти города. Актуальность ее изучения обусловлена не только фундаментальным аспектом, связанным с эпизодичностью существующих исследований данного феномена. С прикладной точки зрения культурная память города представляет собой тот символический ресурс, который города могут использовать для создания привлекательного образа, формирования позитивной и устойчивой городской идентичности, для укрепления чувств сопричастности жителя с городом. Накопление и объективация культурной памяти происходит в символических формах, что обуславливает важность исследований практик символизации городского прошлого, сущность которых состоит в генерировании значимости для горожан актуальных или латентных слоев культурной памяти.

В работе представлены результаты завершающего этапа исследований, связанных с изучением процесса конструирования культурной памяти города. Целью статьи является анализ современных практик символизации фрагментов городского прошлого, которые детерминируют их значимость для современников. Опираясь на культурологический срез проблемы, автор интегрирует разные исследовательские контексты. Методологической основой работы выступает коммуникативный подход, позволяющий акцентировать внимание на процессах смыслообразования, а также конструктивистский метод, помогающий рассматривать память как многослойный и динамичный конструкт. Анализ практик символизации городского прошлого на примере российских городов демонстрирует, как в современном мире актуализируются эпизоды памяти города, каким образом культурные смыслы становятся памятными для горожан. Автор использует результаты предыдущих исследований и раскрывает следующие структурные элементы символизации городского прошлого: а) способы кодирования фрагментов прошлого; б) коммуникативные траектории символизации памяти; в) акторы производства значений о коллективном прошлом города. Полученные результаты открывают не только новые грани в понимании процессов формирования коллективных представлений о городе, но и перспективы эмпирическим исследованиям, прогнозированию и проектированию культурной памяти российских городов, обеспечивая им возможность менять свое настоящее и будущее.

В статье рассматривается региональный фольклор как поле взаимодействия академической музыкальной культуры на Дальнем Востоке России и Китая. Начало систематического изучения академической музыкальной культуры Дальнего Востока России связано с формированием регионального творческого объединения композиторов Дальнего Востока (Союза композиторов), которому наследует сегодня Дальневосточное отделение Союза композиторов России. Отмечается многоэтничность региона и особая роль «диалога культур» в композиторском творчестве. Анализируется культура коренных народов и восточнославянская переселенческая культура Дальнего Востока России, а за пределами российских границ — самобытная культура стран Азиатско-Тихоокеанского региона. Выделяется общность некоторых черт дальневосточного фольклора России и Китая. Рассматривается понятие «академическая музыкальная культура», включающее в себя: творчество композиторов, преемственно связанное с основами западноевропейской музыки, сформированными в период XVII—XIX вв., композиторское творчество XX в., включающее современные техники, музыкальное исполнительство, музыкально-исполнительскую инфраструктуру, обра­зовательное пространство и академическое музыкознание. Освещаются основные исследования традиционной музыкальной культуры Дальнего Востока России и Китая, академической музыкальной культуры региона, в сфере музыкально-компьютерных технологий.

Отмечены композиторы региона, основная направленность их творчества, исследователи академической музыкальной культуры региона, работы которых являются значимыми в осмыслении процессов развития современной отечественной музыкальной культуры. Освещается академическое композиторское творчество Китая, известное в России, очерчен круг научных интересов российских исследователей-востоковедов и исследователей музыкальной культуры из Китая.

Признается необходимость культурологического осмысления заявленной проблемы через исследование академического музыкального искусства, традиционной музыкальной культуры, музыкальной науки и музыкального образования. Роль музыкально-компьютерных технологий в музыкальной культуре и образовании на Дальнем Востоке России и Китая трактуется как важнейший компонент для взаимодействия в сфере академической музыкальной культуры, акцентируются проблемы информатизации современного музыкального образования.

Делается вывод об уникальном опыте композиторского творчества в Китае на основе традиционной музыки Дальнего Востока России. Особо выделяется ангемитонная пентатоническая основа китайской музыки как близкая ладовой организации музыки дальневосточных этносов, лежащая и в основе произведений фольклорной направленности музыки российских дальневосточных композиторов. В подобной ладотональной близости автор видит почву для взаимодействия культур Дальневосточного региона. Данный аспект признается важным с точки зрения создания целостного поликультурного пространства, основанного на принципах гуманизма.

Статья посвящена изучению рисунков и акварелей художника Николая Николаевича Каразина (1842—1908), выполненных по материалам Амударьинской и Самарской экспедиций 1874 и 1879 годов. Цель настоящей работы — рассмотрение графической серии «Аму-Дарьинская ученая экспедиция», напечатанной в журнале «Нива» в 1874—1875 гг., и серии акварельных портретов, выполненных в ходе Самарской экспедиции, в сопоставлении с карандашными портретами Василия Васильевича Верещагина (1842—1904) в альбоме фотоснимков «Русский Туркестан», изданном в 1874 году. Данный корпус художественных произведений прежде не становился предметом специального искусствоведческого исследования; их рассмотрение вводит в поле зрения специалистов значительный этап творческого пути Н.Н. Каразина. Актуальность статьи ввиду изысканий последних лет заключается в репрезентации облика художника-путешественника, рисовальщика при экспедициях во второй половине XIX века.

В основе исследования первой серии — природа и национальные типы Амударьинской дельты. Анализ отдельных примеров журнальной графики сопровождается описанием некоторых одновременных графических оригиналов автора, а также работ других мастеров, проявляющих интерес к среднеазиатской этнографии. Использован сравнительный методологический принцип с включением анализа фрагментов литературных произведений Н.Н. Каразина — путевых очерков с выраженной этнографической компонентой.

Серия акварелей художника по мотивам Самарской экспедиции также представляет несколько изображений этнотипов Русского Туркестана, западного региона Средней Азии. В результате были выявлены сходства и различия в художественных методах и манерах, а также в условиях творческой работы двух мастеров — Н.Н. Каразина и В.В. Верещагина. Анализ проведен с помощью сравнительного метода с задействованием социально-исторического фона.

Амударьинский и Самарский графические циклы показывают Н.Н. Каразина зрелым творцом, интуитивно использовавшим средства приближающегося нового времени и стиля модерн. В то же время он оставался в границах литературно-художественного жанра voyage pittoresque (живописное путешествие), в целом успешно сочетая реалистические тенденции с видением романтика.

Представлен сравнительный анализ музыкального компонента художественно-религиозного канона в ортодоксальном направлении христианства (православии) и исламе. Понятие канона рассматривается в широком смысле как особый тип целостной художественно-стилевой системы, а в узком — как художественный метод со своим специфическим музыкально-ритуальным кодом. Музыкальное начало есть неотъемлемый компонент религиозного культа, а следовательно — и богослужебного канона в мусульманской и христианской традициях. Изучение музыки как художественного компонента той или иной религиозной традиции является одним из востребованных направлений в современном музыкознании.

Религиозное искусство, независимо от идейных различий между религиозными системами, канонично. Канон как целостная художественная система характеризуется рядом закономерностей, проявляющихся на всех уровнях ее структуры, выступая, таким образом, в качестве нормы традиции и, одновременно, в качестве способа сохранения и трансляции этой нормы, причем трансляции вариативного типа. Термин «канон» раскрывается в русле культурологических концепций канона, изложенных в трудах В.В. Бычкова, А.Ф. Лосева, Ю.М. Лотмана, Ю.Н. Плахова, П.А. Флоренского. На первый план выходит трактовка канона как художественного метода, с одной стороны, и как особой художественно-стилевой системы (свода правил, существующих виртуально) — с другой.

В данном исследовании были уточнены теоретические представления о каноне как носителе нормы традиции применительно к области искусства.

Статья посвящена изучению кантаты немецкого композитора П. Хиндемита «Frau Musica». В работах О.Т. Леонтьевой, К.-Д. Крабиля, М. Брейвика название произведения фигурирует в качестве примера Gebrauchsmusik (с нем. — музыка для использования), которая в статье осмыслена как музыка, созданная с определенной целью, в данном случае — неутилитарной. Для того чтобы оценить масштаб авторской концепции, необходимо вернуться к истокам интеллектуальных дебатов о социальной роли искусства, развернувшихся в 1920-е годы. Их главными участниками выступили Г. Бесселер и Т. Адорно. Ценным источником информации являются программы фестивалей новой камерной музыки в Донауэшингене и Баден-Бадене, где направление Gebrauchsmusik развивалось как разножанровый художественный эксперимент. Ведущую роль в этом процессе сыграл П. Хиндемит. Важно также понять причины, побудившие композитора использовать в кантате «Frau Musica» текст М. Лютера.

В настоящее время идеи Gebrauchsmusik — расширение доступа к музыкальному образованию, поддержка непрофессионального искусства, использование технических средств для вовлечения публики в творческий процесс — приобрели особую актуальность. Согласно гипотезе автора этих строк, кантату «Frau Musica» можно расценивать как образцовый пример произведения, в замысле которого органично соединились различные взгляды на природу музыкальной партиципации: духовный акт, коллективное произведение, высший уровень музыкальной доступности. П. Хиндемит интуитивно нашел в нем наиболее перспективные для развития взаимодействия композитора и слушателя пути, которые впоследствии привели к созданию целого корпуса партиципаторных произведений, в числе которых «City Symphonies» («Симфонии городов») Тода Маковера, «Baltic Music» («Балтийская музыка») Александра Радвиловича, «Supersonic» («Сверхзвуковой») Пола Риссмана.

В статье выявлены литературные (роман Э. Золя «Творчество», труд Р. Мутера «История живописи в XIX веке»), литературно-художественные (журналы Mercure de France, L’Ermitage, La Revue Blanche, La Plume) и художественные (экспонаты Французской художественной выставки 1896 г.) источники знакомства Константина Сомова с искусством французского импрессионизма в начале его самостоятельной деятельности (до отъезда в Париж в конце 1890-х годов). Выявлены также источники фактов в его творчестве, схожих с импрессионизмом лишь внешне. Данные вопросы впервые стали предметом специального исследования. Его научная новизна заключается в том, что впервые установлено: художник не обращался к достижениям импрессионизма в период до своего отъезда во Францию, как долгое время считалось. Для решения поставленных задач привлекаются источники личного происхождения (письма и дневники К.А. Сомова и его друга А.Н. Бенуа), а также статьи А.Н. Бенуа 1890-х гг., опубликованные на страницах журнала «Мир искусства». Автор приходит к выводу, что К.А. Сомов не обращался к художественному методу импрессионистов в своем творчестве в означенное время, поскольку информация, которую он мог почерпнуть из выявленных источников, носила вербальный и теоретический характер. Черно-белые воспроизведения картин импрессионистов в литературно-художественных журналах и в книге Р. Мутера «История живописи в XIX веке» не предоставляли достаточной информации для художника. Схожие с импрессионизмом явления у К.А. Сомова основаны на изучении натуры, наследия старых европейских мастеров, искусства барбизонцев, Ж.-Ф. Милле, У. Тёрнера.

В статье предпринят опыт конкретизации сути двух эстетически полярных постановочных подходов — театрального и нетеатрального (перформативного) в контексте развития хореографического искусства. Предполагается, что основанием для разделения данных подходов могут стать особенности интерпретации в них таких фундаментальных понятий, как «актер», «роль», «зритель», «драматургия», «действие», «конфликт», которые в хореографическом спектакле находятся между собой в определенных обусловленных культурными традициями взаимоотношениях, а в нетеатральной постановке — трансформируются вплоть до своего исчезновения. Подобный опыт разделения театра и нетеатра на основании присутствия в них актера, роли, зрителя и иерархии между ними предложен в театроведении. Однако в хореографических (в том числе балетных) спектаклях содержание роли тесно спаяно с музыкой и зачастую определяется заданным в музыке эмоциональным фоном и музыкальной драматургией. В случае кардинального отхода от композиторского замысла, обращения к иной отправной точке для сочинения нарушается специфика хореографического (балетного) спектакля. Заимствования из нетеатральных направлений искусства проявляются в конструировании смыслов при работе с самоценным телесным движением, а также в опоре на междисциплинарность. Внутри отдельно взятой линии хореографического искусства существует целый спектр идей, по-разному трактующих понятия «театральность», «нетеатральность», «драматургия», «перформативность». На каком основании их классифицировать, чтобы свести к непротиворечивой системе, — вопрос сложный. Попытка наметить основания для будущей классификации предпринята в этой статье. Актуальность данной темы обусловлена недостаточной проработанностью понятийной базы в профильной литературе по хореографическому искусству.

Образ главного героя традиционного русского театра кукол — Петрушки — сыграл существенную роль в истории отечественной культуры, воплотил в себе некоторые типические черты национального характера. Его изображения достаточно широко и разнообразно представлены на страницах детских книг. В начале ХХ в. и в первые послереволюционные годы издания о похождениях Петрушки выполняли важную миссию: фиксировали характерные образцы народного творчества, сохраняли память о балаганных представлениях, поддерживали их традиции, служили пособиями для начинающих кукольников.

В 1920-х — начале 1930-х гг. Петрушка продолжал оставаться одним из самых популярных персонажей детской литературы, привлекая внимание литераторов и графиков. Это свидетельствует об их стремлении найти опору и поддержку в простонародной смеховой культуре, продолжить ее традиции, привнести в книгу элементы театральной эстетики.

Цель исследования — с помощью комплекса книговедческих, искусствоведческих, источниковедческих методов рассмотреть трансформации образа Петрушки в детских книгах 1920-х — начала 1930-х годов.

В статье отмечены существенные разночтения между литературной составляющей подобных изданий и их зрительным рядом. Писатели, как правило, стремились «перевоспитать» площадного балагура и драчуна, облагородить его манеры, осовременить облик, привлечь народного любимца к решению актуальных идеологических и педагогических задач. Художники более бережно относились к каноническому, исторически сложившемуся образу Петрушки, сопротивлялись его слишком радикальному переосмыслению. Особый интерес в этом отношении представляют иллюстративные циклы И.С. Ефимова, А.И. Соколова-Аси, А.А. Радакова, В.М. Конашевича, Л.В. Поповой, Ф.Ф. Кондратова.

Лучшим писателям и художникам тех лет удалось, сохранив самые существенные черты героя, вдохнуть в него новую жизнь, спасти от забвения, от полной потери идентичности и передать новым поколениям создателей и читателей детской книги.

Тема войны и мира является одной из вечных проблем человечества и одной из актуальнейших во все времена тем в искусстве. В годовщину 75-летия Победы в Великой Отечественной войне (1941—1945) центром исследовательского интереса автора стало одно из редких по силе воздействия произведений, срывающее маску с апологетики войны, бескомпромиссно и честно повествующее о человеческой цене военного безумия. Речь идет о Военном реквиеме английского композитора XX в. Б. Бриттена.

Представленный опыт искусствоведческого анализа призван эксплицировать интертекстуальные связи произведения с рядом текстов (вербальных и главным образом музыкальных), вписанных в широкий социально-исторический и художественный контекст как прошлого, так и современного творчеству английского музыканта. Данный способ прочтения произведения позволяет проследить роль диалога с европейской и национальной традицией в рождении оригинального, новаторского по стилю, в высшей степени выдающегося по своим художественным и гражданственно-этическим достоинствам текста Б. Бриттена.

С выявлением интертекстовых включений — литературных, идейно-образных, сюжетных, жанровых, музыкально-лексических, интонационных и на уровне музыкального тематизма (из произведений В. Моцарта, Г. Берлиоза, П. Чайковского, Д. Шостаковича) — появляется ряд новых возможностей: усилить эмоциональные переживания реципиента, углубить понимание смысла как отдельных разделов реквиема, так и его общей концепции; расширить содержательное поле интерпретаций партитуры; убедиться в неисчерпаемости культурных традиций для актуального творчества в области искусства. Наконец, конкретизировать наши представления о личности Б. Бриттена: выраженных гуманистических и антимилитаристских устремлениях, которые были продиктованы не столько внешними поводами (актуальность темы в период холодной войны, заказ реквиема на открытие собора в г. Ковентри), сколько глубоко выстраданными переживаниями за судьбы мира и человека. В целом же, по мнению автора, проделанный анализ практически подтверждает известную идею о том, что семиозис — процесс интерпретации знака и порождения значения в искусстве (в том числе музыкальном) — не ограничен и может завершиться только с прекращением существования самой культуры.

Требования к информации и статьям